Coco

'Coco' es una película original de Pixar inspirada en una de las tradiciones mexicanas más famosas: Día de Muertos. La película cuenta la historia de Miguel Rivera, un niño de 12 años que vive en el pueblo de Santa Cecilia con su familia, que incluye a su abuela y tatarabuela Coco, de quien la película obtiene su nombre.

Como toda obra maestra, Coco nos ofrece una historia con una esencia universal capaz de conectar con nuestras emociones más profundas. La película trata sobre la importancia de no renunciar a los sueños, aunque nos parezcan inalcanzables; de los valores familiares, del papel fundamental que los seres queridos tienen en nuestra vida y de aquello que nos une a ellos para siempre, de lo mucho que nos pueden aportar los mayores, de cómo algunas personas cambian nuestro destino para siempre, del sufrimiento como vía necesaria para crecer personalmente, de la diversidad, del perdón y de la muerte; abordando este último tema desde la idea de que los que nos han dejado permanecen entre nosotros si los recordamos. Y es que Coco es una fábula de la vida y, su vez, una celebración de la existencia.

Miguel tiene el sueño de convertirse en un gran músico al igual que su ídolo Ernesto de la Cruz, también originario de Santa Cecilia, sin embargo, tiene un problema: la música ha estado prohibida en su familia durante varias generaciones.

Evitando contar algún spoiler, solo puedo decirles que Miguel termina viajando al mundo de los muertos, donde conoce a un simpático esqueleto llamado Héctor, que lo ayudará a luchar por su sueño y será su compañero en esta fantástica aventura.

El "Día de Muertos"

México es un país rico en tradiciones, y el Día de Muertos no es la excepción. Aunque su nombre pueda parecer tenebroso, es en realidad, una celebración llena de vida y color, en la que honramos a los seres queridos que han partido de este mundo y ya no están a nuestro lado.

El Día de Muertos, que se celebra cada 2 de noviembre en México, es el único día del año en el que los mexicanos tenemos la oportunidad de recibir una visita de nuestros fieles difuntos. Para ello, preparamos un altar de muertos, en el que debemos colocar varios elementos para que nuestros familiares puedan cruzar de su mundo al nuestro, entre ellos:

La fotografía de la persona a la que dedicamos el altar.

Los alimentos que le gustaban al difunto, para que pueda disfrutarlos durante su visita. También se colocan calaveritas de azúcar, que representan que la muerte puede ser dulce.

Las flores de cempasúchil, que por su color y olor ayudan a guiar a los muertos.

El papel picado, que adorna el altar y lo llena de color.

Los altares de muertos son preparados cada año con mucha dedicación y cariño, pensando en todas esas personas que ya no están con nosotros físicamente, pero que siguen estando en nuestros corazones.

Por qué es una película imprescindible para ver con nuestros hijos

'Coco' triunfó en México desde el fin de semana que se estrenó en México, justo unos días antes del Día de Muertos y actualmente es la película más taquillera de la historia de México. En Estados Unidos, donde se estrenó en la semana de Acción de Gracias, también fue un éxito, superando a la Liga de la Justicia. Además de ser una de las pocas películas que gira en torno al Día de Muertos, como muchas otras de las películas de Disney y Pixar, 'Coco' incluye una serie de mensajes que positivos tanto para chicos como para grandes.

Por un lado, vemos la historia de Miguel, que a pesar de que se enfrenta a diversas dificultades que podrían desanimarle, él sigue adelante para luchar por su sueño de ser músico y hace todo lo posible por conseguir el apoyo y comprensión de su familia.

'Coco' también nos deja una lección muy importante: la familia es primero. Si existen unas personas con las que podemos contar incondicionalmente y que son parte esencial de nuestra vida, es nuestra familia. Cada miembro de la familia debe ver por la salud y bienestar del otro, y se apoyan cuando más se necesitan. Durante la película podemos ver cómo esta es una lección que aprenden todos, tanto Miguel como su familia.

Si bien es cierto que la película es más representativa de los pueblos pequeños del centro y sur de México, logró capturar la esencia de la familia mexicana y de los valores que en ella existen, algo muy necesario para la imagen que usualmente tenemos los mexicanos en otras películas, donde tristemente aún se nos representa con estereotipos de antaño y que resultan ofensivos para nosotros.

'Coco' es una manera de mostrarle al mundo la belleza que hay en México, lo rica que es su cultura y lo profundas que son sus tradiciones, y podemos ver claramente el gran trabajo de investigación que realizaron durante años para hacer esta película que encantó a los mexicanos. Como mamá mexicana me siento orgullosa de que otros países conozcan un poco más acerca de nuestra historia a través de una película que ha enamorado a chicos y grandes, al grado de conmovernos y hacernos derramar algunas lágrimas con su emotividad.

Sin duda alguna 'Coco' es una película maravillosa, llena de música y color para ver y disfrutar en familia, que da la oportunidad para que le contemos a nuestros hijos acerca de sus ancestros y fortalezcamos el lazo que existe entre padres e hijos.

Jumanji

Jumanji es una película estadounidense de 1995 dirigida por Joe Johnston y protagonizada por Robin Williams, Bonnie Hunt, Kirsten Dunst y Bradley Pierce. Está basada en un relato infantil de 32 páginas publicado por Chris Van Allsburg en 1981 y que recibió el premio National Book Award en la categoría Ilustración y la medalla Randolph Caldecott al Mejor libro ilustrado. Se estrenó el 15 de diciembre de 1995 en Estados Unidos y Canadá y el 12 de febrero de 1996 en España.

La película empieza en 1869, cuando dos chicos entierran un cofre cerca de Keene, Nueva Hampshire, preocupados de deshacerse de su contenido y de que este nunca sea hallado por nadie, pero si alguien lo encuentra le piden a Dios que se apiade de su alma.

Un siglo después, en 1969, un niño de 12 años, Alan Parrish (Adam Hann-Byrd), huyendo de unos chicos entra en la fábrica de zapatos de su padre, Sam Parrish y se encuentra con su amigo Carl Bentley, un empleado de su padre quien le muestra un nuevo diseño de zapato deportivo suyo. Alan rompe accidentalmente una máquina con el prototipo de zapatillas deportivas que Carl esperaba presentar a Sam. Cuando Carl descubre lo sucedido se echa la culpa y hace que el Sr. Parrish lo despida.

Fuera de la fábrica, Alan se encuentra con la pandilla de chicos que lo seguía, los cuales lo golpean y le roban su bicicleta. Alan empieza a escuchar sonidos de tambores tribales en una obra de construcción cercana y encuentra el cofre enterrado, que contiene un misterioso juego de mesa, llamado Jumanji.

Esa misma noche, mientras cena, Alan tiene una discusión con su padre porque éste quiere enviarlo a un internado y decide huir. Cuando Alan trata de escapar se encuentra con su amiga Sarah que le devuelve la bicicleta que le habían robado y éste la invita a jugar al misterioso juego. Sarah se niega porque le dejaron de interesar los juegos de mesa pero antes de irse tira los dados apareciendo un mensaje en una bola de cristal que hay en el centro del juego. Sarah empieza a tener miedo y le dice a Alan que lo guarde pero en ese momento Alan tira accidentalmente los dados sobre el juego, apareciendo el siguiente mensaje: «En la jungla vas a esperar, hasta un 5 o un 8 sacar», siendo absorbido por el juego mientras que Sarah es perseguida por la calle por unos murciélagos que salen del juego.

Veintiséis años después en 1995, 2 chicos huérfanos, Judy de 13 años y Peter, de 12 años (Kirsten Dunst y Bradley Pierce), se mudan con su tía Nora a la casa de los Parrish (que ha estado deshabitada durante 26 años. Judy y Peter oyen los sonidos de los tambores de Jumanji y encuentran el juego en el ático. Al tirar los dados la casa es atacada por mosquitos y monos que destruyen la cocina dándose cuenta que salen del juego, no quieren seguir jugando. Tras leer las instrucciones del juego descubren que los fenómenos que provocan cada una de las tiradas de dados, desaparecen si uno de ellos llega al final y pronuncia la palabra "Jumanji" volviendo todo a la normalidad.

En general, todas las películas que están relacionadas con la aventura, con la fantasía, la acción, el humor y el misterio son muy bien aceptadas por los niños y los adolescentes. Por ello, deberíamos proponerles textos literarios y películas que se enmarcan en estos géneros. En este sentido, esta película reúne estas condiciones.

Solo en casa

Home Alone (titulada Solo en casa en España) es una película infantil estadounidense de 1990, dirigida por Chris Columbus. Protagonizada por Macaulay Culkin, Joe Pesci, Daniel Stern, Catherine O'Hara, Roberts Blossom, John Heard y John Candy en los papeles principales. El estreno de dicha película fue un éxito en taquilla y popularizó al joven actor principal. Tiene una segunda parte: Solo en casa 2: Perdido en Nueva York.

Argumento

Kevin es un niño de 8 años que se siente marginado e incómodo dentro de su familia ante los maltratos de su hermano mayor y los descuidos de sus padres. Una noche tiene una fuerte discusión con su madre y al instante pide un deseo bastante poco convencional: no tener familia. En la víspera de Navidad, este deseo se ha hecho de pronto realidad: los McCallister se han marchado de vacaciones y, no demasiado sorprendentemente, se han dejado olvidado a Kevin solo en casa.

Lejos de asustarse por esta situación, para el niño esta nueva vida es perfecta: ahora va a empezar a divertirse de verdad, sin tener que soportar burlas ni desplantes. Sin embargo esta nueva libertad tiene un precio, pues rápidamente ha de aprender algunas lecciones básicas sobre responsabilidad, madurez e independencia. En el transcurso de éstas descubrirá que pese a todo echa bastante de menos a su familia, sobre todo cuando descubre que dos ladrones tratan de entrar en su casa para robarla. Kevin trazará un plan de acción rápidamente para defender el hogar de los McCallister: no será nada fácil, pero cuenta con todo su ingenio para ello.

Estas son las tres lecciones más importantes que se pueden aprender:

1. Ten cuidado con lo que deseas. Al principio de Solo en casa, Kevin dice que preferiría no tener familia y estar solo. Cuando su deseo se cumple porque su familia se va sin él de viaje a París, se pone más contento que unas castañuelas porque ahora puede comer todas las chucherías que quiera, acostarse tarde y ver películas para mayores sin que le castiguen (extrañamente Kevin no tiene ningún videojuego de NES al que viciarse durante dos día seguidos sin enterarse de que dos ladrones han entrado a su casa a robar). Pero nuestro joven protagonista también pasa miedo y, al final, acaba echando de menos a su familia. Lo mismo ocurre más o menos cuando Kevin desea pasar las vacaciones solo en Perdido en Nueva York. 

Nadie quiere pasar las Navidades solo.

2. Supera el miedo al fracaso. El vecino de Kevin y la loca de las palomas del Central Park son personas que viven solas por temor a que si abren su corazón de nuevo, les hagan daño. También son personajes muy siniestros que no hacen el menor esfuerzo por no parecer tan siniestros, pero no es a lo que yo iba. Kevin, experto en psicología desde los ocho años, les da el empujón que necesitan para volver a encauzar su vida, convenciéndoles de que no pierden nada por intentar solucionar sus problemas y que es mejor arriesgarse y fallar que dejar pasar la oportunidad de ser feliz.

Macaulay Culkin se parece cada vez más a este señor.

Su ropa huele a caca de paloma.

3. Si te vas de vacaciones y dejas a un niño solo en casa, evitará que te roben. O no.

Día de los muertos

Una de las diferentes tradiciones y culturas de América

El conde Mácula

Wall-E

Los humanos han colapsado el planeta llenándolo de basura y han huido en sus naves espaciales. El único habitante que queda es Wall·E, un pequeño y soñador robot de limpieza. Esta película demuestra los peligros de dejar que la tecnología domine nuestra vida, así como la necesidad de cuidar el planeta. La solidaridad, la amistad, el amor y la valentía también están presentes en Wall·E.

Nuestra propuesta es fijarnos en las historias que muestren que deben ser respetados y defendidos los derechos de todas las personas. Analizaremos, en qué medida los personajes defienden la paz y la injusticia frente a la violencia; comprueban la sostenibilidad frente a un consumo que agota los recursos; comprenden a las personas que son distintas en vez de defenderse ante ellas; colaboran con los demás en lugar de defender sólo lo suyo; no discriminan a las mujeres por ser mujeres...

Nos detendremos de manera especial en cómo se retratan los personajes femeninos y masculinos. ¿Dan protagonismo exclusivamente a los chicos? ¿Son importantes las chicas en la historia? ¿Qué características tienen ambos?

A modo de ejemplo proponemos el siguiente análisis de dos personajes de ‘Wall·E’:

Wall-E

Wall·E humaniza al robot tradicional. En la primera parte de la película, lo conocemos a partir de múltiples detalles: los objetos que rescata de la basura, su relación con la cucaracha, la expresión de ternura de sus ojos y manos, su sensibilidad con los pequeños detalles, su humor…rasgos de una humanidad con la que el director pretende que nos identifiquemos.

Wall·E no es como los héroes tradicionales. Es tímido, asustadizo, inocente, torpe, huye del conflicto, no conoce las armas ni sabe manejarlas. Sin embargo, también es valiente, decidido sin importarle el peligro, fiel a sus amigos. Las cualidades de Wall·E se encuentran casi en estado puro: el amor, la bondad, la ternura, la inocencia… antítesis de los valores de la Axiom.

Wall·E rompe con la imagen de lo masculino. Sus formas cuadradas, toscas y sucias hacen que lo identifiquemos con el sexo masculino. Sin embargo, Wall- E recoge objetos en el planeta devastado, recolecta y guarda en su casa la memoria del pasado de la humanidad, es sensible, se sacrifica por el ser amado. Estas características suelen relacionarse con los personajes femeninos pero, en este caso, se atribuyen a un personaje masculino.

Eva

Muchas veces, la agresividad, precisión, valentía y eficacia las relacionamos con los hombres. De ahí que en el cine de ciencia-ficción, los robots (que representan todos esos elementos) sean tradicionalmente masculinos. En contraposición, la ternura, sensibilidad y pasividad vienen acompañados de personajes femeninos.

EVA responde al modelo de robot de cualquier película de ciencia ficción: en su misión, que es su máxima prioridad, es eficaz y competente. Su estética es sofisticada, mucho más que la de Wall·E. Sus formas son redondeadas, sinuosas y estilizadas. Es muy inexpresiva. EVA es perfecta, precisa y segura. No se mueve con suavidad sino con determinación. No tiene miedo a nada. Es activa: vuela, dispara y ataca. Es inteligente y agresiva. Inspira miedo.

Lo habitual en el cine es que este personaje lo interpretara un hombre. Pero no, el robot es Eva, una chica. En Wall·E y EVA las características que típicamente tienen los hombres y las mujeres, se dan al revés.

Este cambio de los roles tradicionales es importante porque nos muestran modelos diferentes; un chico (Wall·E) que se emociona, es sensible, tiene miedo, no es agresivo y una chica (EVA) que es independiente, decidida, eficaz, y valiente.

¿Qué podemos trabajar con Wall-E?

Educación Medioambiental: nuestro planeta se ha convertido en un basurero, el hombre ya no puede vivir en él.

Conocimiento del medio: el sistema solar, los seres vivos.

Nuevas tecnologías: avances tecnológicos del ser humano.

Educación para el consumo responsable: basándonos en los continuos mensajes publicitarios que bombardean a los habitantes de la nave espacial.

Educación para la salud: hábitos de vida saludables (alimentación y ejercicio).

Educación en valores: Wall-E no duda en poner su vida en peligro para ayudar a Eva.

Educación emocional y afectiva : Wall-E vive solo, acompañado únicamente por el pequeño grillo, necesita a otros como él con los que poder compartir su vida.

Interacción y comunicación social: poniendo el foco de interés en la manera de relacionarse de los habitantes de la nave.

Es posible que haya pasado por alto algún aspecto de interés, pero creo que ya tenemos suficientes elementos como para poder plantear una serie de objetivos y actividades a nuestros alumnos. Según el ciclo y nivel escogeremos aquellos puntos que nos interesen trabajar. Después del visionado de la película, podemos pedirles:

- Comentar la película entre todos, aportando cada uno los aspectos que más les hayan llamado la atención y contestando posibles dudas.

- Realizar una redacción individual sobre la misma.

- Reinterpretar alguna escena o personaje a través de la expresión artística: dibujos, murales, plastilina...

- Lanzar una batería de preguntas del tipo:

¿Por qué la tierra está deshabitada?

¿Te has planteado alguna vez la cantidad de basura espacial que roda a nuestro planteta?

¿Es posible que las plantas crezcan en un ambiente contaminado?

¿Podría vivir el hombre en otro planeta que no fuera la Tierra?

¿En qué medida influye la publicidad en nuestros hábitos de vida y consumo?

¿Es sano alimentarse continuamente de "comida enlatada" y no hacer ejercicio físico? ¿Por qué?

¿Qué cambios se han producido en los habitantes de la nave durante los 700 años que ésta lleva en el espacio?

¿Cómo se comunican entre ellos los habitantes de la nave?, ¿existe el contacto físico?

¿Qué te parece este tipo de interacción? ¿lo ves natural o crees que está deshumanizado

...

- Realizar un debate sobre qué podemos hacer nosotros por el medio ambiente.

Discurso "El gran Dictador"

Hace 128 años nació Charles Chaplin. En 1940 pronunció este gran discurso en la película "El Gran Dictador".

Ante el ascenso de la extrema derecha estos últimos años y una sociedad mentalmente enmudecida, este discurso sigue estando muy presente.

El juego de los 1000 puntos

Fragmento de la película La vida es bella donde Guido (Roberto Benigni) hace creer a su hijo Josue (Giorgio Cantarini) que todo es un juego haciendo una traduccion falsa de las reglas que da el soldado alemán cuando son llevados a los campos de concentración nazis.

12 Mitos que creemos por culpa de las películas

Space Jam

Space Jam es una película estadounidense estrenada en 1996 que combina acción real y dibujos animados. Fue protagonizada por el jugador de baloncesto Michael Jordan y por los dibujos animados de la Warner Bros., los Looney Tunes. La historia se basa parcialmente en el contexto del primer retiro real de Jordan para dedicarse al béisbol (aunque con una historia más agradable y hasta cierto punto satírica debido al cruce entre la realidad y la fantasía). La película fue un éxito de taquilla; recaudando más de 80 millones de dólares tan sólo en Estados Unidos y 230 millones a nivel internacional convirtiéndola en el filme de baloncesto con mayor recaudación en la historia. En esta película se produce la primera aparición de Lola Bunny.

No obstante para muchos conocedores de Los Looney Tunes la película no fue realmente lo esperado a pesar de su éxito en taquilla. Aún con esto logró ser una de las películas más importantes de la segunda mitad de los 90's debido a la inclusión de Michael Jordan como protagonista principal aprovechado mucha de la parafernalía del momento de su primer retiro del Baloncesto.

Michael Jordan, la leyenda del baloncesto, disfruta de su plácido retiro jugando al béisbol en una liga menor. Mientras tanto la banda de los Looney Tunes liderada por Bugs Bunny es secuestrada al completo por los malvados alienígenas Nerdlucks para que formen parte de un zoo galáctico. Bugs negocia su liberación en forma de un partido de baloncesto. Cuando los Nerdlucks unen a sus filas a las superestrellas de la NBA Charles Barkley y Pat Ewing, Bugs pedirá ayuda a Michael Jordan.

La película es predecible, pero los grandes toques de humor provienen, en mi opinión, por la clásica dinámica entre Bugs Bunny y Lucas, ya que resulta francamente imposible que los carismáticos dibujos animados, que alcanzaron cimas expresivas de la mano del animador Chuck Jones, puedan arruinar una aparición estelar. El pato recuerda que no cobran por la película y que son propiedad de Warner Bros Inc. en feliz sorna del capitalismo corporativo que nos ha tocado, y el memorable conejo Bugs Bunny parece muy cómodo compartiendo escena con un Jordan consciente de su papel como leyenda viviente al lado de otras, y de hecho la historia de Jordan es una versión convenientemente naif de su retorno al baloncesto, que ocurrió unos años antes del estreno de esta película.

Es cierto que, con el tremendo juego que dan estas criaturas, un partido de baloncesto no es la mejor manera de sacar todo el partido a una aventura de este calibre, pero Pytka, el equipo de efectos visuales y el excelente Michael Chapman mantienen a la película en un justo tono de desmelene, calidad técnica impecable y una coherencia visual destacable en una superproducción de estas características. Superada por la todavía más autoparódica, e incomprendida, ‘Looney Tunes: De nuevo en acción’ (Looney Tunes: Back in action, 2003), esto es cine para niños y una buena dosis de cachondeo y risas.

El rey león (musical)

El rey león es un musical basado en la película homónima de Disney de 1994, con libreto de Roger Allers e Irene Mecchi, canciones de Elton John y Tim Rice, y música adicional de Lebo M, Mark Mancina, Jay Rifkin, Julie Taymor y Hans Zimmer. Dirigido por Julie Taymor, el espectáculo está producido por Disney Theatrical y se caracteriza por el empleo de máscaras de animales y marionetas de gran tamaño para representar a los diferentes personajes.

La producción original de Broadway se estrenó en 1997 y desde entonces el musical ha sido puesto en escena en numerosos países a lo largo de todo el mundo.

La versión teatral de El rey león presenta algunas modificaciones respecto a la película original, incluyendo escenas nuevas como una conversación entre Mufasa y Zazu sobre la juventud del primero o una secuencia en la que un traumatizado Simba es incapaz de ayudar a Timón cuando éste está a punto de caer por una cascada. Otro añadido importante a la línea argumental es el momento de la partida de Nala después de que Scar intenta convertirla en su compañera para que le dé descendencia. Nala lo rechaza y anuncia su decisión de dejar las tierras del reino mientras recibe la bendición de Rafiki y el resto de leonas en la canción "Shadowland". También cambia el género de Rafiki, que pasa a ser una hembra, ya que Julie Taymor consideró que en la película faltaba un personaje femenino importante. Rafiki fue interpretada por las actrices Tsidii Le Loka, Josette Bushell-Mingo y Brenda Mhlongo en los repartos originales de Broadway, Londres y Madrid respectivamente.

La mayoría de los animales que aparecen en el espectáculo son actores que utilizan diferentes dispositivos para mover su vestuario, como por ejemplo las jirafas, las cuales son representadas por miembros del elenco caminando sobre zancos. Las máscaras de Mufasa y Scar incluyen un mecanismo que permite bajarlas para simular la posición de ataque del león. Otros papeles como las hienas, Zazu, Timón o Pumba, usan marionetas y trajes de tamaño real. Según Taymor, Timón es uno de los personajes más difíciles de manejar, ya que el movimiento de la marioneta requiere un gran es fuerzo para la espalda y el cuello del actor. La secuencia de baile "The Lioness Hunt" es especialmente complicada para las actrices que la ejecutan, debido a las máscaras de leona que tienen que llevar sobre su cabeza.

Durante gran parte de la obra los miembros del coro están visibles sobre el escenario, al contrario que en otros musicales, donde normalmente permanecen ocultos para el espectador. Los coros de la producción original de Broadway fueron dirigidos por el propio Lebo M.

Algunos detalles del espectáculo como el acento de Timón y su número musical para distraer a las hienas (una sevillana en la versión española), o los fragmentos de las canciones que interpreta Zazu en su encierro, son adaptados a la cultura de cada país donde se representa.

Los Goonies

Los Goonies (The Goonies) es una película estadounidense de aventuras de 1985 dirigida por Richard Donner y escrita por Chris Columbus, basada en una historia de Steven Spielberg.

Los Goonies son un grupo de amigos que viven en un pueblo costero de EEUU. Sus padres viven angustiados por las deudas y los acreedores pretenden derribar el barrio donde viven para construir en su lugar un campo de golf.

Una tarde de otoño, aburridos, suben al desván donde encuentran una gran variedad de objetos antiguos y extraños. Entre ellos descubren un mapa que indica la ubicación de un supuesto tesoro perteneciente a un pirata conocido como "Willy el Tuerto", desaparecido con su tripulación siglos atrás tras ser perseguidos por la armada británica después de que el pirata cometiese un gran robo. El legendario cazatesoros Chester Copperpot también había desaparecido sin dejar rastro décadas atrás durante su búsqueda.

El grupo decide entonces ir en busca de ese tesoro que podría solucionar económicamente el problema por el que está pasando el barrio, y que en caso de no resolverse podría derivar en la disolución de "Los Goonies" como grupo, al tener que mudarse todos.

La búsqueda del tesoro los llevará a una aventura bajo tierra sorteando las trampas que dejaron tras de sí los piratas, y escapando de los Fratelli, una familia de atracadores que huye de la policía, y que tras descubrir la historia de "Willy el Tuerto" prentende hacerse también con el botín.

Los Goonies no es una obra maestra, no importa, tiene un lugar reservado en el corazón de toda una generación que disfrutaba con el cine de aventuras, cuando preferíamos salir con la bici, echar un partido de fútbol o jugar a indios y vaqueros y el adelanto tecnológico más avanzado era un Spectrun128.

Es una película de aventuras que ensalza valores positivos. La amistad, el valor, la inocencia, el amor, el trabajo en equipo. Aunque los personajes están basados en arquetipos (El gordito, el raro, el insolente, el soñador, la animadora, la amiga de la chica guapa, etc…) estos arquetipos se usan para definir el nexo de unión de la pandilla. Los Gonnies son lo que son porque cada uno de ellos es diferente y les gusta ser como es.

Dentro de la película cada uno de los valores están interconectados y mueven la trama. Ante la difícil situación en la que se encuentran, el cariño que Mikey siente por su padre, aquel que le cuenta esas historias de piratas, le hace pensar, inocentemente, que puede sacarle del atolladero si encuentra el tesoro del mapa que han encontrado. Sus amigos confían en él y le siguen en su aventura, Brandon se une al grupo, en principio por su responsabilidad de hermano mayor, pero luego confía en la pandilla para acabar la aventura. Las trampas y desafíos que encuentran en su camino solo pueden superarse gracias a su capacidad para trabajar en equipo, por eso ellos triunfan donde el otro aventurero, en solitario, había fracasado.

La película es ideal para una tarde de cine familiar, para hacerse un buen cubo de palomitas y volver a disfrutar de la película con los niños, volver a esa época en la que nuestra imaginación era motor incombustible de increíbles aventuras, de volver a ser un Goonie.

Los chicos del coro

Presentamos esta película como una muestra de la capacidad de cambio que puede tener la música y la individualización de la enseñanza, en entornos represores como es el Fondo del Estanque, un reformatorio para chicos pobres y conflictivos, donde la coeducación como principio educativo, no existía y la enseñanza mixta, que abre las puertas a los niños y niñas en una misma aula, estaba aún por llegar.

Nos ofrece dos modelos educativos y contrapone la disciplina férrea y fría aplicada por igual sobre niños y adultos, con la educación que cree en la persona y en sus potencialidades: busca lo mejor de cada uno y neutraliza los efectos de aquello que causa dolor, frustración y desconcierto.

Entre otras cosas, valora la infancia en un contexto histórico de pobreza y miseria, después de la segunda guerra mundial, en una Francia devastada con muchos huérfanos de padres muertos en combate.

La película nos habla de la esperanza y también de la verdadera naturaleza del éxito y del fracaso. Realmente el Sr. Mathieu ¿era un profesor fracasado? cuando en sus intentos por acercar la música a sus alumnos cambió sus vidas para siempre, llenando sus corazones, con la esperanza, sentimientos de reconocimiento y confianza. Por último, les dio la oportunidad de soñar y ver que la vida no es solo sufrimiento, que existe la felicidad y si queremos conocerla debemos luchar para alcanzarla.

Temas de la película

La infancia

Dice Barratier: «... el tema de la infancia es el más universal. Proyectarse en el pasado permite escapar de las contingencias de la actualidad para concentrarse en lo más universal: el sentimiento de injusticia y de abandono en un niño cuyos padres están ausentes o han desaparecido, y la rebelión o la inhibición que genera. Con independencia del origen social de los niños que he elegido para la película, desde el momento en que se vistieron con la ropa de la época ya no fueron nada más que niños con los mismos miedos, los mismos deseos y las mismas penas» 

La experiencia artística como elemento educativo

«Muchas películas han usado el tema de la importancia de la experiencia artística en la vida de un chico. En El club de los poetas muertosocurría con la poesía; en Cinema Paradiso con el cine; en Billy Elliot era la danza. En mi película se trata de la música, porque a mí la música me da coraje para enfrentarme la vida. Y pude constatar esto con muchos de los chicos con los que rodamos». En cambio, el cineasta considera que, pese a que admira el film, Los 400 golpes tiene un punto de vista distinto. El ve más las cosas desde la óptica del maestro, e incluso se siente más próximo a otro título de aprendizaje, El cartero y Pablo Neruda, aunque el «alumno» no sea un niño sino un adulto. Barratier

La música

Empezamos a trabajar la música con Bruno Coulais en septiembre de 2002, nueve meses antes de empezar el rodaje. Queríamos huir de la imagen de niños de coro asociada con canciones de navidad y veladas junto al fuego. Había que fortalecer la música y no utilizar prácticamente el repertorio existente. Se supone que la música está compuesta por Clément Mathieu, un buen músico pero que ciertamente no se cuenta en la vanguardia de las corrientes musicales. La música era muy importante en la película y había que mostrar los progresos del coro y componer una música sencilla y sin pretensiones jugando más con la emoción que con la investigación estilística.

Tengo la sensación de que he llevado en mí inconscientemente el guión de Los chicos del coro desde hace mucho tiempo. He podido exorcizar algunos episodios de mi infancia y he podido hablar de la música, que sigue siendo una de mis grandes pasiones. Como el personaje de Clément Mathieu, nunca he llegado a concretar mi carrera musical: un día, de la noche a la mañana, decidí dejarlo, y sabía que algún día debería evocarla para saber si ese abandono fue un acto de valentía o de cobardía. Creo que se puede descifrar lo que soy a través de cada uno de los personajes... sin excluir al director.

Los correccionales en Francia en 1949

«Situar la película en esa fecha no es casual. Después de la guerra se constituyeron los famosos centros de reinserción llamados comúnmente correccionales. En esa misma época se creó en Francia la Protección Judicial de la Juventud (PJJ), que confirió a los niños de un estatuto jurídico distinto del de los adultos. Eran los comienzos de una especie de psiquiatría infantil oficial, con todos los errores que eso lleva consigo. Por ejemplo, se definían perfiles psicológicos con una preocupación, que se pretendía loable, de observación; métodos que evoco en la película y que ahora nos parecen lamentables. El final de los años cuarenta es una época traumatizada: se acababa de salir de la guerra y, como en todos los períodos de crisis, los padres tenían otras prioridades que la educación de los hijos. En ningún momento se nos ocurrió adaptar la historia a nuestra época: en primer lugar habría que abordar el universo de las ciudades, de la reinserción, de la integración, de la delincuencia, y además, hoy Clément Mathieu sería un educador con otras prioridades: no tendría nada en común con un profesor de música de los años cincuenta». Barratier

Los niños

«Desde el principio tuve claro que el papel del solista fuera para un verdadero cantante. Sabía que sería muy difícil encontrarlo, pero tuve una suerte enorme: en nuestro viaje por Francia buscando a los mejores coros para elegir al que tenía que grabar la banda sonora original de la película, descubrimos al joven Jean-Baptiste Maunier, solista de los Petits Chanteurs de Saint Marc en Lyón. Su voz es excepcional y muy conmovedora, y como sus pruebas para el papel fueron concluyentes, ni lo dudé. Para el resto del coro, yo no quería a jóvenes actores profesionales porque me gusta la parte de juego que hay en los niños y que se escapa de la sistematización. Buscamos a los niños en los mismos lugares de rodaje de Auvernia. Tras la audición de más de dos mil niños, pude distribuir los papeles y descubrí entre ellos auténticos actores. Tan sólo los parisienses Théodule Carré Cassaigne y Thomas Blumenthal tenían alguna experiencia como actores y logré que se integraran sin problemas con los chicos de la zona. En cuanto a Maxence Perrin, el hijo de Jacques, su papel de Pépinot es su primera experiencia interpretativa». Barratier

Pierre Morhange

Pépinot

Premios Óscar

El premio Óscar —también llamado «premio de la Academia» o en inglés, Academy Award— es un premio anual concedido por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas (en inglés: AMPAS; Academy of Motion Picture Arts and Sciences)1 en reconocimiento a la excelencia de los profesionales en la industria cinematográfica, incluyendo directores, actores y escritores, y es ampliamente considerado el máximo honor en el cine.2 El Óscar es llamado oficialmente «Premio de la Academia al Mérito», y es el principal de los nueve premios que otorga dicha organización.

La primera ceremonia de premios tuvo lugar el 16 de mayo de 1929, en el hotel Roosevelt en Los Ángeles, en honor a los logros cinematográficos obtenidos en los años de 1927 a 1928.

Durante las primeras seis ceremonias, el periodo de elegibilidad se prolongó por dos años. Por ejemplo, la segunda ceremonia que tuvo lugar el 3 de abril de 1930, reconoció películas que fueron estrenadas entre el 1 de agosto de 1928 y el 31 de julio de 1929. A partir de la séptima ceremonia, llevada a cabo 1935, el periodo de elegibilidad era el año inmediatamente anterior, desde el 1 de enero hasta el 31 de diciembre.

La película Beau Geste de 1939 es la única cinta que contiene al menos cuatro actores ganadores del Óscar en la categoría de mejor actor o actriz en un papel protagónico, (Gary Cooper, Ray Milland, Susan Hayward y Broderick Crawford) antes que alguno de ellos hubiese ganado el premio.

Walt Disney es el personaje que más premios de la academia ha ganado , 22 premios Oscar por sus trabajos en cine y 4 premios honoríficos.

2 actores han ganado el premio Oscar después de fallecer : el actor británico Peter Finch por la película “Network” (1976) y el actor Heath Ledger por la película “ Batman: El Caballero de la noche” (2009).

"Ben Hur" (1959), “Titanic" (1997) y "El Señor de los anillos: el retorno del Rey" son las películas con mas premios Oscar en su haber , 11 premios cada una.

La actriz que más premios Oscar ha ganado es Katherine Hepburn , la actriz tiene 4 estatuillas en su haber.

La actriz con más nominaciones a los premios de la academia es Meryl Streep con 20 menciones.

En la vigésimo novena ceremonia, la cual tuvo lugar el 27 de marzo de 1957, la categoría de mejor película extranjera fue introducida. Hasta entonces, dichas películas eran premiadas con un premio especial.

Nombre

El origen del nombre «Óscar» es aún muy debatido. Una biografía de la actriz Bette Davis afirma que la estatuilla fue nombrada como tal en honor a su primer esposo, Oscar Nelson; una de las primeras menciones de la estatuilla como «el Óscar» se remonta a 1934, en un artículo realizado por la revista TIME sobre la sexta ceremonia de premiación. En 1932, Walt Disney citó haber agradecido a la Academia por el Óscar que ganó en dicho año.

Una versión muy extendida acerca del nombre de la estatuilla tuvo origen en 1931, cuando la secretaria ejecutiva de la Academia, Margaret Herrick, vio por primera vez el premio e hizo una referencia con su «tío Óscar» (sobrenombre para su primo Oscar Pierce). El columnista Sidney Skolsky, quien estuvo presente cuando Margaret Herrick nombró la estatuilla, adoptó el nombre en uno de sus artículos el cual rezaba: «los empleados han nombrado afectuosamente su famosa estatuilla como Óscar».

Finalmente, en 1939, el premio fue llamado oficialmente «Óscar» por la AMPAS. Otra versión acerca del origen del nombre se originó con Eleanor Lilleberg, secretaria ejecutiva de Louis B. Mayer, quien al ver la estatuilla exclamo: «¡se parece al rey Óscar II!».

Españoles con premios Óscar

Españoles con premios Óscar
Premios	Cineasta	Película	Categoría	Notas
2	Pedro Almodóvar	Todo sobre mi madre (1999)  Hable con ella (2002)	guion original película extranjera	Primer guionista en lengua española en conseguir el Óscar al mejor guion. Primer español en conseguir 2 Óscar en películas de producción española.
2	Gil Parrondo	Patton (1970)  Nicolás y Alejandra (Nicholas and Alexandra)(1971)	diseño de producción (decorados) diseño de producción (decorados)	Primer español en conseguir un Óscar junto a Antonio Mateos. Primer español en conseguir un segundo Óscar.
1	Néstor Almendros	Días del cielo (Days of Heaven) (1978)	fotografía
1	Alejandro Amenábar	Mar adentro (2004)	película extranjera
1	Javier Bardem	No es país para viejos (No Country for Old Men)(2007)	actor secundario	Primer español en conseguir un Óscar en una categoría de interpretación.
1	Yvonne Blake -	Nicolás y Alejandra (Nicholas and Alexandra)(1971)	diseño de vestuario	Cuando obtuvo el premio su nacionalidad era británica.
1	Luis Buñuel	El discreto encanto de la burguesía (Le charme...) (1972)	película extranjera	Esta película competía por Francia.
1	Antonio Castillo	Nicolás y Alejandra (Nicholas and Alexandra)(1971)	diseño de vestuario
1	Penélope Cruz	Vicky Cristina Barcelona (2008)	actriz secundaria	Primera mujer en conseguir un Óscar en una categoría de interpretación.
1	José Luis Garci	Volver a empezar (1982)	película extranjera	Primer español en conseguir el Óscar a la mejor película extranjera.
1	David Martí	El laberinto del fauno (2006)	maquillaje
1	Antonio Mateos	Patton (1970)	diseño de producción (decorados)	Primer español en conseguir un Óscar junto a Gil Parrondo.
1	Pilar Revuelta	El laberinto del fauno (2006)	diseño de producción (decorados)
1	Montse Ribé	El laberinto del fauno (2006)	maquillaje
1	Fernando Trueba	Belle Époque (1993)	película extranjera